Premios MMM 2015

El 2015 ha sido una cantera de joyas en lo sonoro y lo visual. Retornos para alimentar a los nostálgicos y nuevos sonidos para llenar de esperanza a los agnósticos. Un año más, he intentado seleccionar lo mejor que ha pasado por mis papilas gustativas, así que espero que encuentres al menos un caramelo en esta bolsa de premiados.

Mejor disco: + -

Cinco años de gestación no son nada cuando una banda como Mew crea una obra absolutamente inspiradora, reconfortante, plena y profunda. Jonas Bjerre y su séquito ha conseguido con + - generar una obra maestra del pop retomando la majestuosidad del rock progresivo y manteniendo la coherencia en la tierna voz del cantante entre la robustez de las guitarras y la percusión.

Mejor película: Yo, Él y Raquel

El título original, Me and Earl and the Dying Girl tiene mucho más sentido que la traducción que le han dado en territorio ibérico, porque Yo, Él y Raquel es la historia de dos chicos de Instituto que se enfrentan por primera vez a la posibilidad de que una compañera de clase con leucemia acabe bajo tierra. El tejano Alfonso Gomez Rejon se atreve con el cine indie en una historia con una gran cantidad de referencias culturales, humor negro e interpretaciones magnéticas y maduras. Por si fuera poco, el señor Brian Eno se encarga de la banda sonora. Está mal vendida por algunos críticos como la hermana de Bajo la Misma Estrella, pero este cine no es un generador de club de fans y pinturas en la frente.

Mejor canción: Rows

Esta canción dividida en tres fases comienza reconfortando al oyente con Jonas Bjerre acercándose al micrófono para cantar “it's allright, anything you can wish for you can do”. Es la esencia más pura de Mew, con la sensibilidad del cantante abriéndose paso entre el robusto bajo de Johan Wohlert, las metálicas guitarras de Bo Madsen y la batería progresiva de Silas. Una obra maestra absoluta de 10 minutos que no tiene nada que envidiarle a grandes hits de esta banda danesa como Comforting Sounds.

Mejor videoclip: Nearly Forgot My Broken Heart

Buena dirección, gran canción, humor negro, el propio cantante como protagonista y una trama que le permite ganar con cada visionado. Estos cuatro factores son la receta secreta del videoclip que le ha dedicado Chris Cornell al primer single de su último LP para contar la historia de un hombre que se libró de la pena de muerte para vivir una cadena perpetua en un matrimonio que nunca quiso firmar. Una curiosidad: el niño rubio que sujeta un rosario es uno de los hijos del líder de Soundgarden.

Mejor concierto: Damien Rice en el Parco della Musica de Roma

Personalmente, el pasado 25 de julio cumplí un sueño en Roma que empecé a gestar desde que la voz y acústica de Damien Rice acompañase aquel encuentro entre Natalie Portman y Jude Law en la primera escena de Closer. Más solo que nunca y frente a 3.000 espectadores, este irlandés demostró que primero está él y luego el resto de cantantes folk. El corazón y la rabia que imprimió aquella noche a canciones como 9 Crimes parecían prender el escenario ante la devoción de miles de italianos que se volvieron a enamorar una vez más de un caballero que genera adeptos hasta en los huecos entre canciones.

Mejor debut: Trickfinger

Trickfinger es el alter ego electrónico de John Frusciante, ex guitarrista de los Red Hot Chili Peppers y estandarte de las mejores etapas del cuarteto californiano de Give it Away y Californication. Un proyecto que seguramente no vaya más allá de este LP homónimo pero que ha logrado que Frusciante abrace definitivamente la electrónica tras varios discos coqueteando con lo techno. Este disco es un acid house que recuerda al Aphex Twin más ambient y que se disfruta especialmente si se escucha sin prejuicios y teniendo en cuenta que este trabajo no tiene nada que ver con aquel guitarrista de hits como By the Way y Under the Bridge.

Premios MMM 2014

Segundo año consecutivo de los Premios Million Miles of Music. Un prestigioso galardón que entregamos yo y mis muñecos del sofá a lo que consideramos lo mejor que ha pasado por nuestros ojos y oídos. Ponte cómodo y ponte cascos porque esta tarde de sábado te vas a enamorar.

Mejor disco: Supermodel

Foster the People ha ido cruzando por una transición similar a la que ha completado Everything Everything, los galardonados en esta categoría el año pasado. Con un disco debut con el que ya conquistaron una gran cantidad de territorios, la banda de Mark Foster volvió este año con un LP más serio que completa sus minutos con una música propia de la generación de los que crecieron escuchando Radiohead que combina varios estilos para lograr un set de canciones que deleita a las almas más jóvenes a la vez que cumple con los oídos más exigentes que buscan en nuevas bandas una chispa que les haga recuperar la esperanza por la música actual. Este disco es frenético, honesto, sólido, divertido y sorprende por las ganas que le pone Mark Foster a un trabajo que parece más propio de un veterano. Desde el hit de Best Friend hasta la experimental A Beginner's Guide to Destroying the Moon pasando por la sencillez con la acústica en el pecho de Fire Escape o Goats in Trees, Supermodel es redondo empieces por donde empieces.

Mejor película: Boyhood

Segundo año que Richard Linklater gana en esta categoría. Mientras que el año pasado lo hacía cerrando su trilogía romántica con Antes del Anochecer, este año ha sorprendido al mundo entero con un experimento que ha logrado un gran resultado. En 2002 fichó a un niño de seis años para hacer una película biográfica de un personaje ficticio durante 12 años. Más de una década de rodaje en la que el elenco de actores y el equipo de dirección hicieron piña para contar la historia de Mason Evans (Ellar Coltrane) acompañado de un reparto compuesto por Patricia Arquette, Ellar Coltrane, Lorelei Linklater y Ethan Hawke. Boyhood es un relato detallista del paso de las generaciones cultural y emocionalmente, con lo mejor del cine de Richard Linklater que se apoya en profundas conversaciones a la vez que convierte a sus personajes en nuestros íntimos amigos y familia. Sería interesante descubrir lo que podría hacer este hombre si se animase con una serie de siete temporadas.

Mejor canción: Best Friend

Best Friend cumple en todas las zonas de su estructura. La introducción, los versos, el estribillo, el puente y el clímax final. Una revienta festivales extraída de un disco que gana en lo colectivo y lo individual, esta canción es un hit que corona al mejor disco del año de un grupo que sigue creciendo con mucha ambición. Es joven, fresca, intensa y rejuvencedora. Un homenaje a la amistad que cae como regalo divino entre trompetas, guitarras, percusión y la voz versátil de Mark Foster. Disfrútala porque Best Friend es una una verdadera fondue de sonidos.

Mejor videoclip: Holding On For Life

El actor Anton Yelchin interpreta a un chico que se queda dormido viendo una película de ciencia ficción para acto seguido adentrarse en un sueño romántico en el que conoce a una mujer (Kate Mara) con un traje de astronauta rosa. Una nave que acaba siendo una discoteca que acoge a un grupo de ancianos que se drogan a través de una escafandra es el lugar en el que se desarrolla Holding On For Life, el videoclip para promocionar el segundo disco de Broken Bells, el proyecto conjunto de James Mercer (The Shins) y Brian Burton (Danger Mouse).

Mejor concierto: Grant Lee Phillips en la Union Chapel

Los que vanaglorian la serie de Las Chicas Gilmore conocerán a este hombre ya que era el encargado de ponerle música a las calles de Stars Hollow como trovador oficial de la ciudad de Rory y Lorelai. Pero lo cierto es que este señor ya tenía un hombre con los éxitos conseguidos a través de su banda Grant Lee Buffalo. Lo mejor de su folk americano sin pretensiones continuó bajo su propio nombre durante siete discos más hasta Walking in the Green Corn, su último trabajo que quiso presentar al mundo con la compañía del músico Howe Gelb en una actuación que tuvo lugar en la inmejorable capilla de Union Chapel de Londres en la que ambos dieron un gran espectáculo en lo musical y lo cómico, casando con ternura las maderas de sus guitarras con las de la iglesia del siglo XIX.

Mejor debut: Twin Forks

El año pasado, esta categoría llevaba el nombre de 'grupo revelación', pero este año siento que tengo que llamarla así para premiar directamente al resultado. Twin Forks es el sueño hecho realidad de Chris Carrabba, líder de la banda de emo-rock Dashboard Confessional que siempre tuvo la espina clavada de no tener su propio grupo de folk americano. Así nace esta banda en Florida y su disco con el mismo nombre. Si queréis escuchar un buen disco de folk rock americano sin postureos, este LP os va a satisfacer en varios niveles.

El Viento Se Levanta [CRÍTICA]

El sueño realista de un genio 

Hayao Miyazaki se despide del cine con una obra maestra que purifica el alma. El director se aleja de la fantasía para narrar una historia humana e inolvidable sobre un hombre que cumple su sueño ante las peores adversidades.   

De todas las comparaciones que se hacen entre el Studio Ghibli y Disney, merece especial mención la capacidad de crear un universo propio, original e inconfundible que atrae a millones de espectadores que acuden como luciérnagas hacia la gran pantalla en la que ven reflejada sus sueños más profundos. 

Hayao Miyazaki es un director que ya ha conseguido almacenar adeptos y lograrse un nombre en la historia del cine con títulos como Mi Vecino Totoro (1988), El Viaje de Chihiro (2001), El Castillo Ambulante (2004) y Ponyo En El Acantilado (2008). Pero con El Viento Se Levanta ha decidido retirarse del cine firmando una obra perfecta y cautivadora como siempre ha logrado y como nunca ha probado.  

La película nos presenta la historia de Jiro Horikoshi, que nos lleva con él durante dos horas de metraje a través de una vida marcada por un sueño, el de diseñar el que acabaría siendo uno de los aviones de guerra más importantes de la historia de Japón. Por el camino se tropezará con el terremoto que asoló Kanto en el año 1923, se reinventará ante la pobreza y el desempleo y se enamorará como un niño. 

El Viento Se Levanta está marcada por el mundo onírico que visita el protagonista en sus sueños, pero ahí se terminan los pocos recursos fantásticos que utiliza Miyazaki en su nueva película. Sin recurrir a la magia, este largometraje enamora, regala flores a la vista en cada fotograma y nos obliga a quitarnos el sombrero ante una obra narrativa descomunal perfectamente perfilada con una técnica de animación sin precedentes. 

Los acontecimientos basados en hechos reales como la guerra, el terremoto o las enfermedades buscan recordar la manera en la que Japón sabe salir de la peor de las situaciones como el tsunami que obligó al país a empezar desde cero en 2011 y tras el que se demostró que los japoneses saben crecerse ante la adversidad como nadie.  

El director japonés deja el cine para probar cosas nuevas, lo cual puede ser una buena o mala noticia si llega a cumplirse. Pero está claro que cada vez que este señor se involucra en un proyecto deja una marca. El Viento Se Levanta no solamente alimentará a sus seguidores si no que también creará adeptos a la obra de Miyazaki y al ya legendario Studio Ghibli. 

De Tal Padre, Tal Hijo [CRÍTICA]

“Ahora lo entiendo”

Ryota pronuncia estas palabras cuando descubre que su hijo de seis años fue cambiado por otro el día de su nacimiento en un drama japonés que ahonda en la figura paternal.

El cine japonés suele darnos un paseo por los terrenos más fríos hasta que damos con el calor humano. Así empieza De Tal Padre, Tal Hijo, con esa tonalidad azul, silenciosa y tranquila hasta que la familia del pequeño Keita recibe una llamada del hospital que les cambiará la vida para siempre.

Cada personaje de esta película está cuidado con amor y destaca la gran expresividad de los niños en una película que enfoca los pequeños detalles y aguanta largos planos. La estricta disciplina de la familia 'equivocada' de Keita choca con la humildad y desenfado de la familia de sus verdaderos padres. Es entonces cuando Ryota decide asumir la responsabilidad de llegar a una decisión final sobre este difícil asunto, condicionado por su mujer, sus padres, su verdadero hijo y los padres al que asignaron equivocadamente.

Durante dos horas de metraje convivimos un año con ambas familias, las reacciones de los niños, los sentimientos rotos, las crisis, las bromas, las decisiones difíciles y los momentos incómodos. Es inevitable mirar al horizonte del film con el deseo de conocer el final, pero durante ese duro camino el director de AirDoll, Hirokazu Kore-Eda, hace de esta experiencia una historia real con la que es inevitable empatizar.

Destaca el trabajo de Machico Ono, protagonista en la película El Bosque Del Luto, pero también hay otras caras conocidas como la de Jun Kunimura por sus películas con Takeshi Kitano.

La película se estrenará en nuestro país el viernes 22 de noviembre.

Don Jon [CRÍTICA]

Cuando un actor indie coge las pesas

Joseph Gordon-Levitt se apunta a la lista de iconos del indie que  han parodiado a un macarra en una historia que comienza en una erección pero termina con un coitus interruptus

Otros príncipes del cine inde como Ryan Gosling con Crazy, Stupid, Love o James Franco con Spring Breakers ya habían pasado por el gimnasio y la maquinilla de afeitar para dar vida a personajes que se alejaban de la tierna decadencia de sus anteriores papeles.

Gordon-Levitt no se queda atrás y fabrica una parodia de los macarras de Jersey Shore interpretado, escrito, dirigido y posado por sí mismo. Un hamster de gimnasio al que lo que más le importa es sacudirse la banana viendo pornografía hasta que conoce a Scarlett-tetazas-Johansson y se enamora perdidamente.

El film promete mucho al principio con los retratos de su protagonista y el resto del reparto, pero se desinfla con el paso de los minutos. Quizás Gordon-Levitt enfocó esta película desde un punto de vista de actor y director de cortometrajes, ya que se concentra en los personajes y se olvida de la trama, y demuestra que esto de los largometrajes se le queda demasiado largo, terminando el film como si fuera el final de un episodio piloto.

Catalogada de tragicomedia romántica, de comedia tiene los aciertos en la parodia de sus personajes; de romántica el quiero y no puedo de un personaje musculado con corazón de león; y de tragedia algunas situaciones efervescentes que parecen metidos en el guión por obligación moral.

No es una comedia gamberra y obscena. Tampoco una historia trágica sobre el patetismo de un personaje egocéntrico y machista. Ni tan siquiera una historia empalagosa disfrazada con cuerpos esculturales. Es una paja sin placer final con un protagonista que arranca con mucho músculo pero que se pierde en el laberinto de la neurona.

Estreno en España el jueves 31 de octubre.

Los Idus de Marzo [CRÍTICA]

La perra política

Drama y suspense en un contexto político sin demasiada americanada. Clooney sigue sin tener una identidad propia como director pero Gosling vuelve a convertir la intensidad visual en física.

Sé lo que estáis pensando. ¿Una americanada sobre una campaña electoral a estas alturas y con el cliché de George Clooney en el papel de Gobernador? Pero como pasa en la política: No todo es lo que parece. Sí, el canoso atractivo descafeinado sigue tan flojo como siempre, pero la historia guarda un clima cercano al suspense dentro del tema electoral que va ganando intensidad con el desarrollo.

Stephen Meyers (Ryan Gosling) se encarga, junto a Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), de asesorar al Gobernador Mike Morris (George Clooney) y quitar de en medio todos los posibles obstáculos, desde el asesor de la campaña enemiga (Paul Giamatti) hasta la prensa (Marisa Tomei). Dentro de este más que respetable elenco de actores, Gosling vuelve a destacar como un grande. El discurso entre su personaje y el de Giamatti en el bar describe muy bien como este joven actor fascina en cada película y a cuantos le rodean.

Quizás el director de Los Idus de Marzo, Clooney otra vez, vio en Gosling el actor que siempre quiso ser. Lejos de ser un mero guaperas que no logra transmitir un buen papel, Gosling se deja la piel en cada una de sus interpretaciones, y siempre hace que parezca fácil. La crisis de los 50 empuja a Clooney a querer hacer algo grande ya como padre de una película. Por desgracia, siendo su último trabajo una apuesta interesante, no tiene un sello personal, si no más bien una voluntad de querer ser como aquellos de los que mama.

Estreno el próximo viernes 9 de marzo. 

Mi Semana Con Marilyn [CRÍTICA]

La cara-b de Marilyn Monroe

Michelle Williams trae de vuelta el brillo y sensibilidad de uno de los iconos más importantes de la historia de Hollywood en una historia shakespeariana.

Mi Semana con Marilyn cuenta el secreto que tuvo lugar durante el rodaje de El Príncipe y la Corista (1957, Laurece Olivier): La dulce y sensible fantasía que un joven hizo realidad con la mujer más deseada del planeta. 

Michelle Williams desafía las leyes del 'casting' interpretando un papel en el que a priori no encajaba ni por personalidad ni físico. Es más, juraría que hay más de un desnudo en el film en el que han tenido que utilizar el cuerpo de una secundaria. Pero su palmarés interpretativo le ha llevado a lograr y bordar un gran papel para repetir este año en las nominaciones de los Oscar.

Al margen de la impecable caracterización apoyada por una delicada fotografía, Williams suena como Marilyn, brilla como la Monroe y cautiva como la joya de Hollywood. Además consigue zambullirse en una oscuridad a la que las otras candidatas no habrían llegado en las escenas más dramáticas.

Eddie Redmayne tiene el privilegio de ser ese don nadie que se enamora de una gran estrella y vive un sueño tan efímero como intenso. Un británico corazón joven que se posa en el regazo de la americana para completar otro gran acierto de reparto. Ni galán ni inocente, Redmayne pone el nivel idóneo para la interpretación de un muchacho que vive una novela romántica.

Y si esta historia no era lo bastante 'shakespeariana', Kenneth Branagh pone la guinda de una obra con la intensidad del directo teatral y la belleza del mejor cine. El director Simon Curtis ha conseguido retratar el lado más sensible de uno de los iconos más importantes salidos de Hollywood. Aparta los focos de la explotación más sexy de la artista y se centra en el perfil menos maquillado, más humano, perdido, personal, débil, romántico y real de Monroe.

Estreno el próximo viernes 24 de febrero. 

 

Arrugas [CRÍTICA]

Ancianos como todos

Arrugas saca la mejor identidad del cine español y reflexiona sobre la etapa final a la que todos aspiramos: La tercera edad.

El cine español tiene su especialidad en el drama humano. Si a eso le sumas que contamos con artistas del cómic de reconocimiento mundial, la combinación es idónea.

De hecho es buena, muy buena. Notable en todos sus aspectos, Arrugas sigue de cerca la terrible maldición del Alzheimer en una residencia de ancianos donde vemos el día a día de sus protagonistas como si fuéramos parte del lugar.

Emilio y Miguel son los compañeros de 'celda'. El primero es nuevo en la experiencia, el segundo se las sabe todas. En esta pequeña república cada personaje tiene su particularidad, pero sin alejarse del duro realismo de convivir con la enfermedad y las pesadas caídas del segundero que arriman a todos un final cada vez más solitario.

Es una obra con alma, tratada con ternura pero sin asfixiarse en lastima. Un relato dedicado a todos, como el propio autor considera. Plantea una pregunta casi existencial para el ser humano, ¿qué hacer con nuestros mayores? ¿Qué querríamos nosotros? Arrugas plantea la cuestión en un caso extremo, el Alzheimer, ese cabrón de hache intercalada que parte en dos todo sentido y concordancia del ser.

La animación, música, voces, fotografía, fondo y forma de la temática y los personajes han sido dibujados en armonía para lograr un producto de reflexión. Este es el tipo de cine que podemos sacar de nuestras fronteras con orgullo y seguridad. Esta es la identidad con la que deberíamos sentirnos identificados y dejar las producciones basura a aquellos que les sobra el dinero y codicia.

Estreno este viernes 27 de enero.

Santiago Segura [ENTREVISTA]

"Adam Sandler es como yo, se rodea de sus colegas para hacer una película"

Ayer jueves los periodistas tuvimos la oportunidad de charlar con Santiago Segura, que nos contó entre otras cosas como fue la experiencia de trabajar con Adam Sandler, uno de sus ídolos de comedia, en la nueva película Jack y su Gemela.

El personaje de ‘Torrente’ fue la máxima inspiración para su personaje en Jack y su Gemela. De hecho, desde Hollywood le pidieron que se trajera la misma peluca, “les pareció algo cachondísimo”. 

Sin embargo no ve la utilización de Torrente como una estrategia para animar a que el proyecto de remake americano se lleve a cabo, “el problema de Sacha Baron Cohen es que tiene muchos proyectos en la mesa y aunque ya tenga los derechos de Torrente, no sé realmente cuando va a sacar tiempo de su agenda para hacerlo”.

Apunta que la motivación para participar en la película fue, “porque me encanta el cine de Adam Sandler, es uno de los mejores cómicos que hay en Estados Unidos” y comparte una anécdota con Paz Vega y el cómico americano: “Cuando llamaron a Paz para hacer ‘Spanglish’ yo le dejé mi colección de películas de Adam Sandler porque no estaba muy convencida del proyecto y aún no me las ha devuelto”. Por fortuna, nos contó, durante el rodaje de ‘Jack y su Gemela’, Sandler le regaló una colección de su filmografía en blue-ray.

Habla de la experiencia de trabajar con Adam Sandler: “Disfruté mucho en este rodaje porque Adam es una persona que al igual que yo se rodea de sus colegas para hacer sus películas”. También celebra ese don de improvisación del americano, “a mi me decía más o menos lo que tenía que hacer y yo mis frases las improvisaba”.

El cineasta y actor también disfrutó las escenas más ‘arriesgadas’ del film, “casi me parto la espinilla con la tabla de surf, pero esto es lo que me gusta de mi trabajo, hacer algo diferente cada día, porque yo no podría ser oficinista o algo que suponga una rutina mecánica todos los días”.

También habló de otros cómicos a los que admira y los cuales muchos han salido también de la cantera de Saturday Night Life como Sandler. “Ben Stiller me gusta mucho y Will Ferrel me vuelve loco, me parece un genio absoluto. Otros clásicos como Steve Martin o Eddie Murphy han perdido garra porque se han convertido en estrellas del cine familiar”.

Económicamente no ha supuesto un fuerte ingreso para el cineasta español, “más birrioso incluso que aquí en España donde estoy más cotizado”, aunque sí que le sorprendió el despliegue de medios durante el rodaje.

Jack y Su Gemela [CRÍTICA]

Hermana tierna y masculina

Adam Sandler se trasviste para una nueva producción simplista, predecible y con una seria falta de buenos ‘gags’.

El humor de Adam Sandler se caracteriza por su descaro y moraleja final. Es divertido hasta llorar, y cuando se rodea de los que él quiere potencia esa cualidad. Pero en Jack y su Gemela no lo consigue, el ritmo es patoso y se crean silencios incómodos tras unos ‘gags’ de tercera división.

Ahora Sandler se dedica a protagonizar y producir películas, pero aquellas de las que se ocupó del guión son precisamente sus mejores trabajos de los últimos años: Niños Grandes y Zohan, Licencia para Peinar. En sus últimas aportaciones al cine parece que esa comedia absurda que le caracteriza está atada por los patrones simples de la comedia familiar de Hollywood.

La trama busca la gracia entre la relación de dos mellizos que se reencuentran para celebrar el Día de Acción de Gracias en el hogar de Jack y su familia. Con el personaje de Jill, Adam Sandler se une a la lista de cómicos americanos que se travisten para la gran pantalla, logrando un personaje tierno y a la vez masculino al que se le acaba cogiendo cariño.

Otro de los fichajes a tener en cuenta para la película es Santiago Segura, quien explota de nuevo a Torrente (en Jack y Jill apodado ‘Duardo’) pero que tiene la misma falta de puntos que la película en sí.

La escena de Jill y los mejicanos es lo único salvable quizás del film. Dado que el mejor personaje es ella y la mejor escena la protagoniza la hermana gemela por sí sola, quizás habría sido mejor idea que Sandler se concentrase en su lado femenino para sacar algo de chispa de este rollo.

Adam Sandler es sin duda uno de los mejores cómicos de Estados Unidos, pero empieza a encender la alerta de que se está acomodando a un tipo de película simplista, predecible, agotada y lo peor de todo: Sin risas en la sala.

Estreno mañana viernes 20 de enero.

El Havre [CRÍTICA]

Fraternidad por Navidad

El director finlandés más afamado vuelve a Francia para filmar otra obra genial de tragicomedia social con un protagonista estupendo.

La historia se desarrolla en una ciudad costera, habla sobre pobreza, inmigración y trabajo pero no, no es otro Los Lunes al Sol. Es un cuento de poética comedia gris con un toque irreal que huye del drama atragantado y cuenta la vida de un limpiabotas que se encuentra con un chico africano que huye de las autoridades en El Havre.

Aki Kaurismäki tiene un sello personal en su cine social. Su última producción es cine de autor, y eso se nota en la manera de iluminar a sus personajes, controlar los tempos de la cinta, limpiar las heridas provocadas por la tragedia mundana y sacar una sonrisa en las situaciones más difíciles.

El protagonista de El Havre es un bohemio retirado con una labia similar al gran Groucho Marx, con quien comparte apellido. El actor André Wilms abruma con su porte castigado, cigarro en mano y corazón ardiente. No siempre un actor europeo sabe lucir las canas tan bien tras casi media treintena de largometrajes.

El resto del elenco son, además de piezas clave en el argumento con una personalidad muy definida, personajes de una villa con sus rarezas y momentos que les hacen característicos. El frutero, la panadera o la camarera son personas del barrio que fácilmente podemos encontrarnos nada más salir a la calle, pero es su fraternidad y cordialidad las que hacen imposible su olvido.

Son los grandes héroes sociales a los que Kaurismäki les ha puesto una capa para rescatar la esperanza en un mundo en el que lo humano es abofeteado y ensordecido en la cada vez más amplia multitud. No es cine crítico, si no esperanzador. Un cuento navideño a la finlandesa contado en El Havre: Un lugar de paso, llegada y salida.

Estreno el próximo miércoles 28 de diciembre.

El Futuro [CRÍTICA]

El gato, la pareja y el tiempo 

Miranda July vuelve al cine seis años después para firmar otra gran obra personal, profunda, ‘indie’, descarada y original en la que vuelve a hacer de sí misma.

Las relaciones entre los seres humanos es un tema atractivo y preocupante para la directora de El Futuro. Es algo que se ve reflejado en sus cortos, su literatura y en sus dos largometrajes.

A diferencia de su predecesora, Tú, Yo y Todos los Demás (2005), Miranda July se pone en frente a un hombre muy parecido a su protagonista. En su primer film retrataba la dificultad de lograr una relación y en éste cómo engrasar la rueda que hace que una pareja siga bailando junta sobre el concepto de ‘pareja’.

Algo rompe esa rutina de dos treintañeros que viven juntos e infelices con sus trabajos: La adopción de un gato. Como si de un bebé se tratase, Sophie (Miranda July) y Jason (Hamish Linklater) se preparan durante un mes antes de recibir a un animal herido que necesita cuidados intensivos.

A partir de ese momento, los dos experimentan una etapa de crisis y bloqueo de la que no saben como salir mientras que el gato narra la eterna espera de la llegada de sus dueños. Nunca antes July había utilizado el lenguaje abstracto, surrealista y metafórico en la gran pantalla, y se le da de escándalo. Encuentra en esta vía la mejor manera de expresar sentimientos y ofrece tremendas escenas que marcan una obra única y auténtica.

La relación de pareja treintañera en la sociedad actual: Por dentro, por fuera, conectados y desconectados. La bohemia artista americana revela aquí su superpoder: La creatividad. July es una artista con mayúsculas, que vive y muere a diario por el arte, pero que nunca olvida comunicarse con el público. En su nueva obra lo vuelve a hacer y se entierra viva en los devenires de la vida y el tiempo en el terreno más sustancial. 

Enlaces relacionados:

• Reseña del libro 'Nadie es más de aquí que tú' de Miranda July

El Gato con Botas 2011 [CRÍTICA]

Cierra la puerta que se escapa el gato

La mirada más famosa del cine de animación vuelve al cine en un spin-off que se apoya en los clásicos cuentos infantiles. 

Un gato malagueño (Antonio Banderas) corretea por la pantalla hasta que se topa con una belleza latina (Salma Hayek) que le ayuda a reencontrarse con un viejo amigo: Humpty Alexander Dumpty, también conocido como ‘Tentetieso’ en los cuentos infantiles.

¿Qué hacen dos gatos y un huevo parlante? Nada menos que buscar las habichuelas mágicas para llegar al castillo del gigante y robar los huevos de oro. Una vez más, la saga Shrek mantiene la esencia de homenajear los cuentos infantiles es sus películas. En el caso de este spin-off del Gato con Botas está muy bien elegida y llevada la aventura principal.

Este film no deja de ser una explotación de un producto, Shrek, que funcionó pero fue perdiendo fuelle en sus últimas entregas. El felino al que Banderas le da su absoluta personalidad ofrece dos o tres escenas de la famosa mirada de minino inocente y varias bromas de gatos que siempre son bienvenidas en la comedia.

Es una historia de tres a pesar de que el minino con sombrero sea el protagonista. Salma Hayek pone el personaje femenino que no termina de caer en las zarpas del persuasivo gato y Zach Galifianakis pone voz a un personaje con más cerebro de los que él está habituado a encarnar.

Dirigida por Chris Miller, que ya se encargó de Shrek 3, este largometraje entretiene y salva los minutos con la historia de las habichuelas mágicas como tirón principal. Pero a veces da la impresión de un guión falto, que depende demasiado de los clásicos cuentos para generar ese huevo de oro que busca Dreamworks para colocar a uno de sus personajes en los primeros puestos de la taquilla.

En Disney optaron por dar una serie a Timón y Pumba, aquellos carismáticos personajes de El Rey León, pero les quedó algo mediocre. El Gato con Botas se atreve con el cine pero, como todos los felinos de la tierra, teme mojarse para convertirse en leyenda.

Estreno el viernes 25 de noviembre. 

Enlaces de interés:

• Crítica de Shrek: Felices Para Siempre 

Las Aventuras de Tintín, El Secreto del Unicornio [CRÍTICA]

 

Animador Spielberg

Alucinante, intensa y divertida. Interesante hasta para los que son ajenos al cómic, la llegada de Tintín al cine sacia el hambre de misterio y aventuras que abunda en las butacas hoy en día. 

Desde 2008 con Indiana Jones no dirigía Steven Spielberg una película y ahora ha vuelto para darnos más ganas de buscar aventuras y tesoros por el mundo. Desde que adquirió los derechos para hacer esta adaptación, una cosa quedó clara: Le pega. Pero también le pegaba a Tim Burton la versión de Alicia en el País de las Maravillas y fue penosa.

Dos pesos pesados del cine, Spielberg a la dirección con Peter Jackson en la producción, se unen para crear un film en mayúsculas con gula de taquillazo. Pero la ambición no rompe el encanto del cine de aventuras, las apasionantes páginas de un cómic histórico o el carisma de sus protagonistas.

Tintín co-protagoniza el secreto del unicornio con su siempre fiel mascota Milú y con el Capitán Haddock. Y qué grandes son los capitanes de los mares desde la butaca, qué carisma irradian cuando se trata de un antihéroe alcohólico como el barbudo navegante de las historias de Tintín. Sin menospreciar al pequeño y simpático perro ni mucho menos a su dueño y su flequillo. No viene tampoco nada mal la parejita británica de cómicos Simon Pegg y Nick Frost para dar voz, cuerpo y chispa a los detectives Hernández y Fernández.

Gran decisión fue pensar y crear esta obra como una animación. Con un alucinante acabado cinematográfico, ‘Las Aventuras de Tintín, el Secreto del Unicornio’ no se enrolla con abusos digitales obsesionados con el 3D si no que llena la pantalla de recursos artísticos que fascinan desde los créditos de apertura.

Seguidor o no del cómic belga en el que está basada este largometraje, atraerá a amantes del género de aventuras, misterio, cómic y sobre todo del cine en mayúsculas porque por encima de todo, Tintín ha aterrizado a la gran pantalla para ser un referente y crear hambre de más al llegar a los créditos finales de esta entrega y las que faltan por caer. 

Estreno en España este viernes 28 de octubre. 

Crazy, Stupid, Love (2011) [CRÍTICA]

El amor no tiene edad

El amor, con sus estupideces y locuras, visto desde los ojos de un niño de 13 años hasta los de un matrimonio cuarentón. Ryan Gossling pone la chispa con su papel de asesor casanova.

Steve Carell, el eterno Virgen a los 40 (Judd Apatow, 2005) protagoniza una comedia que diserta sobre el amor en su campo de batalla. El ligoteo, el enamoramiento, las relaciones de pareja… Desde el primer amor de un chico de 13 años hasta las dunas de un matrimonio al borde del divorcio pasando por los rollos de una noche de Jacob Palmer (guaperas de la noche interpretado por Ryan Gosling).

El único problema es que todas esas historias, aunque interrelacionadas, no terminan de trazar un camino común a una historia central. Tenemos el matrimonio interpretado por Carell y Jualianne Moore; la obsesión de su hijo por la canguro y la también obsesión de ésta por el padre de él; y los líos nocturnos de Jacob Palmer seguidos de su encuentro con Hannah Weaver (interpretada por Emma Stone).

A este cocktail de triángulos amorosos se suman el compañero de trabajo de Emily Weaver (Julianne Moore) interpretado por Kevin Bacon, y Marissa Tomei en el cachondo papel de una ex-alcohólica que se encuentra con el personaje de Steve Carrel.

Estos cruces están bien tejidos para que no suponga un dolor de cabeza o termine siendo una telenovela, aunque al final no dejan de ser historias individuales que han sido entrelazadas de una manera demasiado casual.

Crazy, Stupid, Love busca identificarse con una amplia gama de públicos. Es el amor en su rostro dulce, sexi, prudente, irónico, contradictorio y fantasioso. Cada uno elegirá su historia favorita y el personaje con quien más se identifica o con el que se querría encontrar. Ryan Gosling acoge un nuevo reto y acepta su condición de buenorro de Hollywood pero con la actuación como primer plano de su interpretación. Demuestra una vez más ser uno de los mejores actores de su generación.

Estreno mañana viernes 7 de octubre. 

El Ilusionista (2010) [CRÍTICA]

Una animación vale más que mil palabras

Estupenda tragicomedia digna de las mayores medallas del cine animado.

La animación por ordenador no supuso una tumba para la tradicional si no más bien una criba para que solamente joyas como este film salieran a flote.

El director francés Sylvain Chomet ha rescatado un guión olvidado del también creador de películas Jacques Tati. Es la historia de un ilusionista en decadencia que viaja por Europa en busca de un trabajo cuando en su camino apea a una joven escocesa que, ensimismada, decide seguirle en su camino de magia y encanto.

La nostalgia y la comedia son las sonatas de una historia que recorre los encantos de El Viejo Continente de los años 50 pasando por París, Londres y centrándose en Edimburgo.

No hay conversaciones, apenas monosílabas entre sus protagonistas, pero en esta película de mimos la música y el hermoso trabajo gráfico hablan lo que las palabras no necesitan decir. 

La trama ahonda en la ilusión, desilusión, inocencia, decadencia, envejecimiento, coraje y los achaques propios de una década en la que muchos empezaban de cero cada día y los planes se tambaleaban.

Un film de trazos finos, de calma en la tormenta, simpatía en sus gestos, luces hermosas, lugares inmortales y personajes tan entrañables como pintorescos. El resultado del trabajo de un mimo y un director: El primero que escribió el guión antes de morir y el segundo que lo rescató para convertir la ilusión en largometraje.

Estreno el viernes 7 de octubre. 

Capitán América: El Primer Vengador (2011)

Una guerra mundial para un héroe yanqui

Mucha acción trepidante en la clásica película de héroe: El bueno es demasiado bueno y el malo demasiado malo

El film se centra en los orígenes del personaje de los cómics Marvel, allá por los años 40 y la II Guerra Mundial. La primera fase nos muestra a un escuchimizado Chris Evans antes de convertirse en Capitán América. Mediante una técnica de ordenador que recuerda al sketch Cabeza de Viejo y Cuerpo de Joven, se hace un poco raro ver la cara y oír la voz del mazado actor mientras se mueve con ese cuerpo canijo de quien sabe quien.

En cuanto se enfunda el traje de superhéroe yanqui, las tortas y disparos vuelan con bastante frecuencia. Hay un villano, Craneo Rojo, interpretado por el malo malísimo de la saga Matrix y terrorista enmascarado en V de Vendetta, Hugo Weaving, que no me deja de recordar a Skeletor en la adaptación al cine de los Masters del Universo (Gary Goddard, 1987). También hay un romance que se resiste, interpretado por Hayley Atwell, y otro héroe americano: el padre de Iron Man, bien elegido con Dominic Cooper. 

Hay un poco de todo, con cameos y guiños al cómic y sus fans incluidos pero no deja de ser una película base, un prólogo de lo que se puede avecinar si la película triunfa en taquilla. Falla en el equilibrio entre héroe y villano, siendo el primero demasiado bueno y el segundo demasiado malo. Los efectos especiales están conseguidos, la contextualización es correcta y la trama entretiene entre tiros y tortas.

Chris Evans cumple como héroe nacional. Americano rubio, fuerte, de ojos azules, voz grave y defensor  de la libertad. Además venía de interpretar al Hombre Antorcha en la adaptación del cómic Los 4 Fantásticos (Tim Store, 2005).

Orgullo patrio protagonizado por el que posteriormente se convertiría en el líder de Los Vengadores, cómic que cuenta ya con adaptación al cine y espera su estreno el próximo año. Allí se reunirán Chris Evans (Capitán América) Chris Hemsworth (Thor) y Robert Downey Jr. (Iron Man) y Mark Ruffalo (Hulk)  tras su paso individual por la gran pantalla. La cosa promete.

Estreno el viernes 5 de agosto. 

Paul (2011)

Producto 'fumeta'

El humor británico y el americano chocan en una comedia sobre alienígenas y ‘frikis’ poblada en su mayor parte de bromas tontas con algún guiño gracioso.

Dos amigos ingleses de toda la vida se juntan para hacer el viaje de su vida. Comienzan en el Comic-con, la mayor convención cómic del planeta, y continúan sumergiendo el film en una ‘road-movie’ visitando los puntos clave del mundo OVNI como el Área 51. En su camino se encuentran un extraterrestre fumando hierba llamado Paul.

Con la participación de dos estrellas del show humorístico Saturday Night Live, Kristen Wiig y Hill Hader, la película aúna el humor americano e inglés con sus protagonistas británicos Simon Pegg y Nick Frost, ambos conocidos por su papel en Arma Fatal (Edgat Wright, 2007). La tortilla no termina de cuajar aunque sí que cumplen con las referencias y guiños al mundo ‘friki’ de ciencia ficción y cómic.

Una película de videoclub para fumar con los colegas. Con la voz de Seth Rogen (Santi Millán en la versión doblada al castellano), actor canadiense conocido por la serie Freaks & Geeks (Paul Feig, 1999-2000) y la película Lío Embarazoso (Judd Apatow, 2007) cuesta asimilar el delgado y cabezón cuerpo del alienígena de ojos grandes con la corpulencia y pachorra del actor.

También encajará bien en viajes en avión o autobús. Pero para el cine, mejor ahorra el dinero y sigue cruzando los dedos para que la leyenda de que en verano se estrenan las peores películas no sea del todo cierta.

Estreno este viernes 22 de julio. 

Beginners (2010)

La tristeza que se muerde la cola

Vida y amor envueltos por un manto de tristeza. Una historia honesta con Ewan McGregor afrontando su papel más oscuro.

El sonido de un chelo parece acompañar cada segundo se una historia sobre la vida de un chico de ojos tristes que encuentra amor en una senda que creía perdida: Su propia vida. La felicidad es encontrada, existe, es real como una flor. Pero el abejorro de la tristeza se posa en ella para espantar toda posible etiqueta de ‘comedia romántica’ en el film.

El sueño de muchos directores de cine es plasmar su vida en la gran pantalla. Algunos lo hacen de manera sutil e indirecta, otros se desvisten buscando el proyecto de su vida. Mike Mills, experto en anuncios y vídeos de música, contactó con los protagonistas de su adaptación para conmoverles sobre la historia de su vida.

Con un toque europeo, Beginners (Mike Mills, 2010) explora en el eterno drama humano de la tristeza en espiral y la incapacidad de coger la vida con las dos manos. La familia, el amor verdadero, un perro que habla con la mente y un trabajo como artista creativo. Elementos para medio llenar o vaciar el alma de Oliver (Ewan McGregor). La portada engaña como una careta sonriente en la cara de un cadáver que lleva días descompuesto: No es una película de bromas tontas con dos enamorados torpes que no aciertan en la diana del amor.

¿De qué se ríe McGregor? Quizás porque el encargado de sacar las imágenes era un fotógrafo de comuniones pero la tristeza en Beginners es permanente, aunque sin llegar a la miseria, autocompasión o ‘emo-tismo’. Un permanente blues sin impacto, de luces tenues, pero honesto en su palabra y conclusiones.

Estreno este viernes 8 de julio. 

Transformers: El Lado Oscuro de la Luna

La acción más caliente del verano

La acción tarda mucho en llegar pero cuando llega pega fuerte. Se echa en falta a Megan Fox.

Bólidos, bestias robotizadas, tías buenas, tiros, músculo y explosiones. Vale, Transformers es una peli de tíos. La tercera entrega de la saga trae junto con el paquete de acción una historia que nos lleva al primer viaje del hombre a la luna y la Guerra Fría.

Hay más carisma robótico que humano. De nuevo el elenco de actores se agacha en la película para dar paso a los mastodónticos robots alienígenas. Ni Shia Labeouf en el papel de jovenzuelo héroe de turno, tampoco Josh Duhamel encasillado como agente del gobierno y ni siquiera la ‘chica Transformers’ llegan a la suela del zapato a los verdaderos protagonistas mecanizados.

La colaboración especial de John Malkovich y el chiste de John Turturro le dan una gracia a un film que se pasa en dar explicaciones, la burocracia, los preliminares y por ello tarda mucho en llegar a la acción frenética. La batalla definitiva entre los Autobots y Decepticons tarda en aterrizar en combate, pero los impactantes efectos especiales terminan regalando escenas como las protagonizadas por Shockwave, el robot encargado de dar espectáculo en las escenas más impresionantes de la cinta.

Tras perder a la galáctica Megan Fox en lo que creyó Steven Spielberg que fue un movimiento inteligente, la tercera parte de Transformers pierde un arma secreta de gran importancia. Rosie Huntington Whiteley, galardonada como la mujer más sexy del momento según la revista Maxim, no es más que una versión sin gracia de Cameron Díaz.

Tensión, nervios, conversaciones a voces, destrucción material… La película es un caldo que se va cociendo en un hornillo hasta que por fin cocina una guerra donde vemos lo que la gente espera para convertir Transformers 3 en un 'taquillazo' del verano: La infatigable lucha por la supervivencia entre los robots más queridos del mundo del entretenimiento en los últimos 30 años.