A Woman A Man Walked By [P J Harvey & John Parish]

Polly y su sombra

PJ Harvey, acompañada de su viejo amigo y compañero musical John Parish, vuelve con un disco que trae lo mejor de ella, lo definitivo. Un puñetazo en la mesa que recuerda quien es la reina en el reino de divas indie y música sombría. Un disco superlativo hecho en compañía para escucharlo en soledad.

Más de 20 años de amistad y de vínculo musical son los que P J Harvey y John Parish comparten. Hace 13 años que sacaron su primer trabajo que firmaron conjuntamente, Dance Hall at Louse Point. Pero Parish siempre ha estado ahí, en la sombra, observando los movimientos de Harvey, ayudándola a producir sus discos, a encontrar su sonido. No siempre juntos en el estudio pero siempre cogidos de la mano, ahora vuelven con la edición de un disco magnífico que pone los pelos de punta. Brutal simbiosis de guitarras, bajo y batería.

Un CD que abre con una canción como Black Hearted Love ya es un disco a tener en cuenta, que no te deja impasible. Es eléctrico, es un alambre sentimental que te parte en dos, es uno de los mejores temas que Polly Jean Harvey ha hecho últimamente.

Es un pez en el agua con la música que hace. Con Sixteen, Fifteen, Fourteen saca un tema juguetón, pillo y folclore. Se deja caer en la oscuridad infinita con Leaving California, donde mama de su sonido sombrío, fruto del bosque entre nieblas que PJ visita para hacer sus canciones. Un bosque donde los sentimientos son tan profundos que queman, duelen como heridas internas. The Chair es un llanto, el preocupante aullido de una mujer que ha perdido a su hijo.

En la oda al mes de abril, April, Harvey vuelve a demostrar su amplio registro de voces, pasando de una voz vieja y demacrada a un canto de pena y nostalgia. Pero este no es un álbum 100% lagrimas y rendiciones. Polly se levanta con rabia en A Woman A Man Walked By/The Crow Knows Where All The Little Children Go. Su voz parece estar plagada de fantasmas, de rabia contenida. Soberbio y de escucha necesaria.

The Soldier el dolor ajeno. Una pequeña guitarra, un tímido piano, y la voz de PJ, dolorida como el cuerpo y la mente de un soldado al que nadie apenas le importa.

Con Pig Will Not, Harvey se pega una gran pataleta y canta una vez más con rabia, resignación, gritos que rompen las ganancias, e incluso ladridos.

Passionless, Pointless es un paseo nocturno por las calles de Stories From The City, Stories From The Sea, disco con el que PJ Harvey cosechó el mayor éxito. Es preciosa, dulce, también algo sombría para no desentonar con el álbum, delicada y sensible. Son las últimas lágrimas de un llanto por la pasión. Otra maravilla más para escuchar alto, a oscuras mientras que ves como todo pasa a cámara lenta. Esta canción es una de las mejores experiencias del disco.

Cracks In The Canvas recuerda a Is That All There Is? del Dance Hall…, por ser un relato hablado sigilosamente acompañado por una música tranquila y pacífica.

PJ Harvey vuelve con todo. Con su sombra, su rabia, su pasión, su voz múltiple, y con unas canciones que parece imposible olvidar.

Sputnik, mi amor

La pasión que alcanza las estrellas

Haruki Murakami escribe en Sputnik, mi amor, una historia de fantasías, viajes físicos y psíquicos, y aventuras en la que los tripulantes son un joven profesor, su íntima amiga y deseada Sumire y la gota que colma el vaso en la novela, Myu, la fantasía lésbica e intelectual de Sumire.

“Desde que murió mi perro, empecé a pasar mucho tiempo encerrado en mi habitación, leyendo. Y es que el mundo de los libros me parecía mucho más real que el mundo que me rodeaba. Allí se abrían paisajes que jamás había visto. Los libros y la música se convirtieron en mis mejores amigos”.

Haruki Murakami cuenta, en Sputnik, mi amor; con unos personajes introvertidos y únicos al igual que en Tokio Blues. En esta historia, un jovencísimo profesor se encuentra en el triangulo amoroso con su mejor amiga Sumire, la cual está enamorada de una mujer llamada Myu.

Todo parece una entretenida novela de amores, pasiones y rarezas juveniles; pulcra, natural y detallada como el autor japonés nos tiene acostumbrados. Hasta que Sumire viaja con Myu a Grecia y ocurre algo que da un giro violento a la trama y la forma de la historia.

El profesor, al que solo se le conoce como K., narra una historia desde una butaca humilde, apenas hablando de sí mismo sino dando protagonismo a Sumire, la persona que realmente llena su vida.

Las influencias que Murakami tiene del director surrealista David Lynch son evidentes en Sputnik, mi amor. El autor japonés juega con la subconciencia de los personajes, clona sus almas, y los emborracha de confusión y extrañeza.

El clímax del libro se encuentra realmente en el nudo, durante el suceso de Grecia, porque el desenlace da la sensación de que a Murakami le faltaron páginas, o la imaginación perdió su llama cuando más la necesitaba.

Es sobre todo una novela que invita a la reflexión sobre como llegar a las personas, a sus pasiones, a los rincones más ocultos, los traumas y las razones de algunos de sus comportamientos, a veces inexplicables.

El Buen Hombre (2007)

Hindúes en Nueva York

Gogol es un chico de padres que inmigraron desde la india para dar a sus hijos una vida llena de oportunidades en la ciudad que nunca duerme. Una historia de dos horas en la que el chico da tumbos entre la India y Estados Unidos buscándose a sí mismo.

Entre los tipos de películas sobre inmigrantes podemos encontrar: el género de comedia estúpida americana; comedia con un trasfondo cultural y emocional; de crítica hacia el país que acoge o al inmigrante que se instala; la película que busca retratar y dar a conocer una cultura; y la que describe el feedback entre el inmigrante y el local.

El Buen Hombre mezcla la crítica, la cultura india y la americana, la tragicomedia del que se ríe de sus miserias y el desengaño que supone para algunos inmigrantes el encontrarse con “la tierra de las oportunidades".

Ashoke y Ashima viven en Nueva York y tienen dos hijos. Uno de ellos es Gogol (Kal Penn, una suerte de Zach Braff hindú), nombre que le puso su padre por su escritor favorito, Nikolai Gogol. Este chico se adapta perfectamente a la cultura americana, hasta el punto que reniega de su nombre y la cultura de sus padres.

La película se mueve entre viajes entre la India y Estados Unidos, con una buena fotografía de Frederick Fermes (Night on Earth 1991). Gogol pasa de la fascinación por la cultura de un país a la del otro durante todo el largometraje. Su vida, sus relaciones, su familia… todo lo que gira en torno a él parece ser de gran relevancia y fascinación.

La película cae en una longitud finalmente agotadora. Se repiten ideas, conceptos, mensajes y situaciones que son perfectamente prescindibles. Posiblemente esto ocurra debido a que el film es una adaptación de la novela de Jhumpa Lahiri con el mismo título. Un libro se puede permitir aburrir al lector a veces porque se puede leer con pausas, pero una película es para verla de un tirón y, aunque este tipo de historias que cuentan la historia de dos generaciones familiares han de ser grandes, los 30-40 minutos finales son demasiado predecibles y manidos para un género de cine que pide innovar.

Una parte de los Chili Peppers visita Madrid

El batería de los Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, está de gira europea con Chickenfoot, una nueva banda formada por él y ex integrantes de Van Halen. Durante este tour promocional de su primer homónimo álbum, que saldrá en junio, se pasarán por Madrid el 1 de julio.

Scream [Chris Cornell]

Valiente hijo del grunge

El ex cantante de Soundgarden, Temple of the Dog y Audioslave, se atreve en su tercer disco en solitario a dar un giro violento dirigido al pop, soul y electrónica. Una voz que se pasó el mayor tiempo de su carrera posada en el grunge y hard rock se apasiona cada vez más de las voces negras. Y encima no se le da mal.

Todo en principio parece una broma. El truco está en saber coger el chiste y todo se vuelve adictivo como una droga dura. Para darle una escucha a Scream es bueno ir con esa mentalidad, sobre todo porque la primera fase del álbum es quizás la más radical. Tras una introducción típica de los discos de hip-hop (con una voz robótica que presenta a Chris Cornell) llega Part Of Me, una mezcla entre soul y tecktonik. “That bitch ain’t part of me”…¿Qué hace un padre casado cantando estas cosas cuando ya nos tenía acostumbrado a canciones de amor y paz?. No se asusten aún. Con un soberbio, guitarrero y bordado link entre esta canción y la siguiente, Time, la voz de Cornell pasa por un ritmo reaggetonero, vacilón y gracioso. Sweet Revenge hace que te venga a la cabeza la imagen del video típico de MTV con chicas moviendo el culo a velocidad vertiginosa rodeadas de coches caros. Get Up, más techno-beat-voice.

Entonces cuando llegamos a Ground Zero la cosa se hace más digestiva. Una canción original que podría sonar perfectamente con un grupo de guitarras y batería pero Cornell la transforma junto a Timbaland (productor experto en dar vueltas de tortilla) en un tema donde la voz del americano adquiere un sentido que ahora es más fácil de entender y asimilar. De manera sideral, y siguiendo con las 'intros' y 'outros' que unen todas las canciones del disco para convertir a Scream en una unidad, Never Far Away regala una canción agradable y perfecta para la nueva voz de Cornell pese a sonidos electrónicos nunca vistos en una canción de este músico. Aún así no deja de ser comercial, igual que Take Me Alive, de sonidos y patrones asiáticos, algo muy típico en las canciones pop de cualquier 'cantantuflo' al que le hayan dado licencia para grabar un disco. Una canción que supone poco más que la barrera que separa la mitad del disco.

Long Gone es bonita. Es una canción de una noche playera junto a la hoguera. Un suave balada reaggea-pop que enamora con la voz del señor Cornell. Pero estas canciones cansan rápido. Aún así seguimos con otra balada, Scream, que parece sacada de un disco de Justin Timberlake pero salvada una vez más por la voz del (aún) roquero. El video de este tema lo hemos visto mil veces con artistas de pop y soul, cómodamente predecible. Enemy es otra de esas canciones que en su base es tan buena que aunque no esté rodeada de electrónica verás que su melodía, estructura y la voz se revuelve perfectamente con este tipo de producción. Una de las mejores.

Other Side Of The Town tiene su genialidad en el ritmo, la batería, en lo asquerosamente adictiva que es. Y eso que, una vez más, ya hemos oído este sonido antes en la mayoría de los videos de la MTV. Para cuado llego a Climbing Up The Walls ya he decidido dar una segunda oportunidad al disco, una vez más por su ritmo, la belleza que aporta la voz de Cornell y el que sea una de las que menos alejadas están de a lo que estamos acostumbrados de este artista.

Aunque el broche final, Watch Out, me hizo pensarme esa segunda oportunidad, se la di. Si has llegado a este tema y piensas en darle otra escucha, dásela, porque puede que descubras un buen disco entre tanta broma electrónica, rapera y de Chris Cornell como Michael Jackson a la inversa.

Y aquí estoy, con Chris Cornell, hablando de un disco muy arriesgado pero necesario, ya que desde hace tiempo él quería explorar este tipo de música. Era vital un cambio para este hombre, porque repetir la formula de ‘leyenda del rock retirada’, etiqueta que se auto imponía en su anterior disco, Carry On, sería un error. Otro disco de 15 canciones, en su mayoría baladas de roquero adulto, habría llevado a Cornell a la desesperación y los que le escuchamos al aburrimiento. Scream llama la atención, por su cambio agresivo, por su ritmo, o por que lo canta una de las voces más carismáticas del rock. Así que tranquilos, que Chris Cornell no abandona el rock, ya que sigue tocando temas de sus anteriores bandas y canciones, y visitando festivales de rock.

Tras infiltrarse en el mundo del techno-soul y hacerlo mejor que la mayoría, ¿cuál será su siguiente paso?

Chris Cornell - Part of Me