jueves, 21 de julio de 2016

RADIOHEAD - A Moon Shaped Pool [Reseña]

Azúcar para soñadores
★★★★★
A Moon Shaped Pool es el sueño que Radiohead necesitaba para reponerse de la crisis de fe que ha estado sufriendo durante los últimos cinco años.

El agujero en la tierra que parecía estar a punto de convertirse en la tumba de Radiohead finalmente ha derivado en una piscina con forma de luna en la que nadan cinco peces mientras los demás admiramos las ondas que producen sus movimientos en el agua. A Moon Shaped Pool es el disco que ellos necesitaban y que nosotros necesitábamos para recuperar la fe. Después de aquel falto y desganado The King of Limbs, Thom York decidió sentarse en la butaca del piano para tomárselo en serio y trabajar con sus compañeros en un LP que suena más a quinteto que a solista. Si 'Burn The Witch' no nos terminaba de dar toda la confianza que necesitábamos cuando vio la luz como primer single, 'Daydreaming' nos enamoró a todos y dejó claro que el CD estaría dirigido por ese piano de funerales faraónicos que tanto nos hipnotizó con Pyramid Song. Hasta el videoclip, dirigido por Paul Thomas Anderson, es perfecto con Yorke abriendo puertas de escenarios oníricos y sonriendo a la cámara en un par de tomas como queriendo expresar su satisfacción por el trabajo bien hecho.

A Moon Shaped Pool es la calma de la exactitud, las melodías mejor destiladas de la banda y un baño en una piscina de eterna juventud que le ha dado a Radiohead un plus de credibilidad en un panorama musical que estaba deseando darle la patada. Hasta nuevo aviso, siguen siendo los reyes en lo que hacen y lo demuestran con temas como 'Decks Dark', otro gran terrón de azúcar para soñadores en el que el sonido asciende según converge el trabajo de los cinco músicos y la London Contemporary Orchestra. Si te gusta ese rasgueo de guitarra blues de Yorke, 'Desert Island Disk' es tu canción, pero cuando parece que el viaje onírico va a seguir manteniendo nuestro ritmo cardíaco, el movimiento ocular se vuelve más rápido con temas como 'Ful Stop'. 'Glass Eyes' compensa y nos vuelve a tumbar en un río para prepararnos de cara a la canción con el ritmo más poseedor del LP: 'Identikit'.

'The Numbers' funciona de transición para el trío final de A Moon Shaped Pool. La guitarra de 'Present Tense' coge a Thom Yorke en sus notas más agudas mientras que 'Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor' nos regala una visita de cinco minutos al espacio más electrónico, misterioso y sombrío de Radiohead. Para cerrar un trabajo sobresaliente, el quinteto elige darle hogar a 'True Love Waits' en este LP, pero aunque esta nueva versión de estudio se adapta perfectamente a esta piscina con forma de luna, es inevitable acordarse de cómo Thom Yorke machacaba las cuerdas de la acústica en aquel I Might Be Wrong Live Recordings. El amor verdadero espera del mismo modo que el noveno disco de Radiohead se ha hecho esperar, pero se podría decir sin miedo a equivocarse que los cinco años de espera han merecido la pena.

Trackslist_
1. Burn The Witch
2. Daydreaming
3. Decks Dark
4. Desert Island Disk
5. Ful Stop
6. Glass Eyes
7. Identikit
8. The Numbers
9. Present Tense
10. Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man
11. True Love Waits


lunes, 11 de julio de 2016

RED HOT CHILI PEPPERS - The Getaway [Reseña]


Como el gato y el ratón
★★★☆☆
The Getaway es una mala transfusión de sangre que cambia el funk rock por canciones escritas por el bajista a piano. A pesar de que han pasado cinco años desde su último trabajo, la falta de imaginación de los Red Hot Chili Peppers colisiona con el nuevo productor Danger Mouse y desemboca en un álbum que parece una lista de descartes de su anterior trabajo que ni siquiera es capaz de ofrecer un tema lo suficientemente potente para abrir su próxima gira.



Tracklist_
1. The Getaway
2. Dark Necessities
3. We Turn Red
4. The Longest Wave
5. Goodbye Angels
6. Sick Love
7. Go Robot
8. Feasting on the Flowers
9. Detroit
10. This Ticonderoga
11. Encore
12. The Hunter
13. Dreams of a Samurai

miércoles, 22 de junio de 2016

RICHARD ASHCROFT - These People [RESEÑA]

Un retorno sosegado
★★★☆☆
A pesar de los intentos fallidos de modernizarse con sintetizadores de una biblioteca de sonidos desfasada, These People nos permite recuperar algo de aquel barítono que convirtió a Richard Ashcroft en una de las voces más carismáticas de su generación.



Tracklist_
1. Out Of My Body
2. This Is How It Feels
3. They Don’t Own Me
4. Hold On
5. These People
6. Everybody Needs Somebody To Hurt
7. Picture Of You
8. Black Lines
9. Ain’t The Future So Bright
10. Songs Of Experience

PJ HARVEY - The Hope Six Demolition Project [RESEÑA]


Himnos de pobreza y beligerancia
★★★☆☆
PJ Harvey lanza una comunión de canciones marcadas por temas socio políticos que, por su similitud a su anterior disco, hacen que la artista pierda gran parte de ese factor sorpresa con el que contaba cada vez que decidía animarse con un nuevo LP. Críticas a la demolición de lo viejo para imponer lo nuevo y lo caro en un disco que quedará en la memoria como un cuaderno de viajes de la artista tras sus viajes emulando a un Hemingway femenino por las ciudades de Afganistan, Kosovo y Washington DC.




Tracklist_ 
01. The Community of Hope  
02. The Ministry of Defence
03. A Line in the Sand
04. Chain of Keys
05. River Anacostia
06. Near the Memorials to Vietnam and Lincoln
07. The Orange Monkey
08. Medicinals
09. The Ministry of Social Affairs
10. The Wheel
11. Dollar, Dollar


sábado, 23 de abril de 2016

YEASAYER - Amen & Goodbye [RESEÑA]


Jardineros de su propia frondosidad
Yeasayer recoge el estilo que cosechó en sus dos primeros discos para grabar un disco de una frondosidad musical que vuelve a llenar a su discografía de luces y colores.
★★★★★
Con su tercer disco, Fragrant World, Yeasayer perdió a una gran cantidad de seguidores que no vieron con buenos ojos que este trío de Brooklyn abrazase tanto la electrónica para introducirnos en una distopía futurista. Aunque en su momento sacaron pecho con su anterior LP, parece que el grupo formado por Chris Keating, Ira Wolf y Anand Wilder no han podido evitar darle a su audiencia lo que lleva echando de menos desde aquel Odd Blood de 2010. No podemos decir que hemos salido perdiendo, ya que Amen & Goodbye tiene todos los elementos que le puedes pedir a unos profetas musicales que siempre parecen ir un paso por delante con sus apuestas arriesgadas pero siempre acertadas. Su cuarto álbum arranca con claras influencias de los Beatles en 'Daughters Of Cain' y estalla en su propia frondosidad musical a través de 'I Am Chemistry', el primer single que lanzaron al mundo para presentar su nuevo trabajo.

'Silly Me' es la hermana de O.N.E. en cuanto a pop pegadizo de la mano de Anand Wilder. El disco parece una sucesión de un hit seguido de otro hit, con 'Half Asleep' recuperando el sitar de sus inicios y 'Dead Sea Scrolls' regalándonos un solo de saxo de esos que te taladran el alma. La producción es exquisita y los elementos pueden degustarse de forma individual al estar perfectamente situados en la estructura de cada canción. Estamos ante una obra maestra desde la portada hasta el cierre, ya que el art work corre a cargo de David Altmejd, un canadiense que ha creado una escena física al estilo de Dali teniendo en cuenta elementos de la cultura y personalidades actuales. Lo bizarro se apodera por minutos del LP y escuchamos una ronda de aplausos mientras suena un clavecín en 'Child Prodigy' para dar paso a la fase final de este Amen & Goodbye.

Chris Keating entrega su último temazo con 'Gerson's Whistle' antes de dejar que Anand Wilder cierre el disco con una nocturna y primaveral canción de amor en 'Uma' y un tema que suena a mezcla entre el sonido del Viva la Vida de Coldplay y el Hail to the Thief de Radiohead llamado 'Coldnight'. Yeasayer ha demostrado que son los mejores en lo que hacen. Son la banda que todo grupo moderno quiere ser y se traen del futuro una frondosidad que completa los mejores jardines del panorama musical. Aquí encontrarás una apuesta lucida, generosa, valiente y espléndida. La mejor versión de tres amigos que han sudado sangre para grabar un disco plagado de retos y viajes hacia lo extraño y lo desconocido. Esta nueva pila de canciones y su notable apuesta en directo les convierte una vez más en una de las bandas más interesantes para subrayar en un festival veraniego.

Tracklist_
1. Daughters of Cain
2. I Am Chemistry
3. Silly Me
4. Half Asleep
5. Dead Sea Scrolls

6. Prophecy Gun
7. Computer Canticle 1
8. Divine Simulacrum
9. Child Prodigy
10. Gerson's Whistle
11. Uma
12. Cold Night
13. Amen & Goodbye


viernes, 22 de abril de 2016

CHRIS CORNELL - Gran Teatro del Liceo de Barcelona [CRÓNICA]


Canciones de libro y perfume de caballero
El líder de bandas de culto como Soundgarden y Audioslave se rindió ante los clásicos de su cancionero y al arte de versionar en una noche de madera y perfume de caballero.

Desde que en 2011 lanzase Songbook, el disco en directo con el que abrazó una puesta en escena acústica, madura y asentada, Chris Cornell se ha centrado en mejorar su habilidad en lo básico y lo desenchufado. Tan relevante fue ese LP, que su último disco, Higher Truth, es una consecuencia directa de ese giro en la performance que todos aquellos que prefieren verle desde una butaca han celebrado. Atrás queda aquella leyenda del grunge de los años noventa que sufrió la ira de sus fans cuando se atrevió con un experimento llamado Scream que atrajo como nunca a masas de jóvenes que acudieron a conciertos como el BBK Live de Bilbao de 2009 con muchas ganas de fiesta. Anoche en Barcelona la tónica era otra. Los jóvenes desaliñados con pantalones cortos dejaron paso a treintañeros nostálgicos que llenaron el Liceo con un perfume de caballero mientras éramos testigos de un setlist con el que el artista se rindió ante los clásicos de su propia ingeniería y dejó de lado las obras de su carrera en solitario.

Cornell también quiso aprovechar para explotar sus cualidades en el arte de versionar, con temas como 'The Times They Are A-Changin'' de Bob Dylan, 'One' de U2 con letra de Metallica, la desgarradora 'Billie Jean' que poco tiene que ver con cómo la cantaba Michael Jackson, 'A Day in the Life' de los Beatles, y 'Nothing Compares 2 U', con la que abrió el concierto para homenajear al fallecido Prince. Su actuación no contó con una estructura demasiado definida pero es que tampoco lo necesitaba. Una leyenda del grunge como es Chris Cornell solamente necesita una guitarra (aunque se llevó unas seis) y una alfombra para entretener a un teatro lleno hasta la bandera y muy entusiasmado al escuchar cómo el norteamericano se sacaba con la acústica canciones de libro de historia del rock como 'Black Hole Sun' y 'Fell On Black Days' de Soundgarden, del mismo modo que regalaba al público aquellas baladas que solía tocar con Tom Morello en grandes escenarios como 'Like a Stone' y 'Getaway Car'.

Fue generoso con las anécdotas y en varias ocasiones se levantó para darse un paseo por el escenario mientras cantaba y tocaba. El público fue uno con el artista cuando se animo a dar palmas con 'Rusty Cage', sobre todo teniendo en cuenta que la gran mayoría acudió a su butaca para escuchar canciones que marcaron una época hace décadas. El nivel de 'fanservice' fue tan descarado que Cornell pareció obviar su trabajo en solitario. Solamente diez de las 26 canciones que tocó pertenecían a su discografía como 'solo artist', de las cuales únicamente cinco sirvieron para presentar su último disco a pesar de que el concierto forma parte de la gira Higher Truth. Los que ya se traían el Songbook estudiado no se llevaron demasiadas sorpresas al ver cómo Chris Cornell versionaba su propio cancionero con una guitarra acústica, pero los que entraron anoche por la puerta del Liceo con la intención de reencontrarse con los viejos tiempos salieron con el paladar satisfecho tras haber probado un buen vino de barrica añeja.

Setlist
1. Nothing Compares 2 U
2. Before We Disappear
3. Can't Change Me
4. The Times They Are A-Changin'
5. Nearly Forgot My Broken Heart
6. Like a Stone
7. Fell on Black Days
8. One
9. Doesn't Remind Me
10. Getaway Car
11. Say Hello 2 Heaven
12. Blow Up the Outside World
13. Let Your Eyes Wander
14. You Know My Name
15. Billie Jean
16. Black Hole Sun
17. Rusty Cage
18. When I'm Down
19. I Am the Highway
20. Sunshower
21. Hunger Strike
22. A Day in the Life
-----------------------------------------------
23. Wooden Jesus
24. Seasons
25. Josephine
26. Higher Truth


jueves, 31 de marzo de 2016

Little Green Cars - Ephemera [RESEÑA]


Lo aprendido tras la tormenta
Los irlandeses Little Green Cars llegan a su segundo LP echando el candado a un pasado doloroso con un disco más oscuro que su debut pero con un atardecer entre nubes con el que el oyente se sentirá fácilmente identificado.
★★★★☆
Ephemera suena a noche tormentosa, a sueños que se tienen tras una experiencia traumática, a ritual crematorio y a pulso ganado contra la depresión. Este tipo de bandas no deben faltar nunca en nuestras vidas. En los veranos, entre festivales, temas bailables, risas, cachondeo y subidones se nos olvida la importancia de este préstamo sentimental que realizan los hijos de San Patricio. Little Green Cars se ha convertido en una noble representación de esa banda impermeable que ha sabido adaptarse a las nuevas exigencias de un público que se aburre con facilidad. Aquí todos cantan, pero las voces de Stevie Appleby y Faye O'Rourke son los colores con los que más identificados se sentirá el oyente. Él parece el hijo que siempre quiso tener Neil Young en temas como 'You vs Me' y ella es un bello trébol de verde radiante que aguanta tormentas con una fuerza desgarradora que te emocionará sí o sí con 'Easier Day'.

Pero Little Green Cars suena a conjunto, sobre todo cuando nos vuelven a regalar sus armónicos en temas suaves como 'The Garden Of Death', 'I Don't Even Know Who', 'Winds Of Peace' y 'The Factory'. También hay dúos como 'Clair de Lune', pero se podría decir que las voces cantantes se reparten muy bien este sueño efímero que los propios músicos definen como el desvanecimiento de una luz y la belleza de un momento. Un álbum terapéutico para echar el candado a experiencias duras del pasado y mirar hacia delante con la sensación de haber aprendido algo. A partir del octavo track, Ephemera anochece y nos mete en la fiesta más incómoda en la que jamás hemos estado con 'The Party' y en un túnel de sentimientos enfrentados con 'Good Women Do'. En definitiva, su segundo disco es un álbum muy unificado, menos heterogéneo que el anterior (ya no escuchamos recursos arriesgados como aquel vocoder del primer LP) pero que destaca por capturar momentos que conectan con lo cotidiano, los días grises y los grandes cambios vitales de sus oyentes.

Tracklist_
1. The Song They Play Every Night
2. You vs Me
3. Easier Day
4. The Garden of Death
5. Brother
6. Clair De Lune
7. Ok Ok Ok
8. The Party
9. I Don’t Even Know Who
10. Good Women Do
11. Winds Of Peace
12. The Factory


domingo, 20 de marzo de 2016

JEFF BUCKEY - You & I [RESEÑA]


Vaivén de melancolía

You & I es una íntima estancia con un artista que se ganó el mote de 'jukebox humano' por su capacidad de sacar en directo influencias de un amplísimo rango musical y hacer suyas canciones de Bob Dylan, The Smiths, Sly & The Family Stone y Led Zeppelin.
★★★★☆

Oficialmente, Jeff Buckley solamente lanzó un LP en vida pero ha emocionado e influido a miles de artistas por todo el mundo y bandas como Muse, Radiohead o Coldplay quisieron sonar como él en sus inicios. No es fácil editar nuevos discos de un artista fallecido en 1997 a la edad de 30 años cuya mayor actividad musical se generaba en los bares que frecuentaba para deleitar al publico neoyorquino a diario durante semanas y semanas. En esa época de los 'cafe days' es cuando se ganó más que nunca el apodo de 'jukebox humano' porque era capaz de sacar cualquier tema que le pidiera el público, desde los temas más populares de aquella década, pasando por canciones de Broadway, clásicos del rock, jazz, pop, hasta que se animaba a cantar como el paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan.

Pero aunque este don ya lo exhibió en el recopilatorio de Live at Sin-é, You & I ofrece grabaciones inéditas que Buckley registró cuando firmó su primer gran contrato discográfico. Hasta para los que ya creen haberlo escuchado todo de esta deidad musical se emocionarán con las versiones inéditas de 'Just Like a Woman' de Bob Dylan (cuyo clímax te pondrá los pelos de punta), 'Calling You' de Jevetta Steele, y una de las grandes favoritas: 'I Know It's Over' de The Smiths. A pesar del vaivén de melancolía de este CD, You & I es un encuentro privado entre el oyente y el artista en una habitación que en algunos instantes se llena de luz a través de ventanas como 'Everyday People', 'Don't Let the Sun Catch You Cryin' y 'Night Flight'. Todo ello con un buen sonido, fruto del trabajo de la madre de Buckley y la discográfica Columbia, pero respetando ese sabor a maqueta y evitando cualquier edición o alteración de la fuente original, “estas grabaciones son los verdaderos restos mortales de Jeff, deberíamos tratarlas como si estuviéramos preparando su cuerpo para un entierro: nada de maquillaje, ni trajes de Armani, ni cortes de pelo o peinados”, afirma Mary Guibert sobre la forma en la que quería preparar este álbum antes de lanzarlo.

Impresiona en gran medida escuchar cómo un solo hombre se saca influencias de estilos tan diferentes y logra hacer suyas canciones de artistas que, como Leonard Cohen con Hallelujah, han llegado a confesar que Buckley ha superado sus propias creaciones. Aquí se puede ver una vez más que este norteamericano nacido en Anaheim (California) era un hombre al servicio absoluto de la música. Una bella criatura cuya muerte es tan insuperable como el legado que ha dejado en la música. You & I llega a hacer daño en temas como 'Dream of You and I', en la que el propio cantante relata cómo soñó con una canción al mismo tiempo que la interpreta con la guitarra acústica, "si estás grabando esto, mejor, así no se me olvidará", se le oye decir al cantante al final de la grabación sobre un tema que nunca llegó a completarse

Siempre nos quedaremos con la ganas de saber cómo habría evolucionado su música, su puesta en escena, la colaboraciones que habría realizado, si se habría animado a trabajar en una banda sonora o si habría cambiado la guitarra por el piano. Pero nos queda siempre su legado y una devoción hacia la música que se hace palpable cuando escuchamos cómo tiembla su voz al mismo tiempo que su famosa Fender Telecaster sesentera de color crema acompaña un momento realmente íntimo entre el oyente y el artista.
 
Tracklist_
1. Just Like A Woman (Bob Dylan)
2. Everyday People (Sly & The Family Stone)
3. Don’t Let The Sun Catch You Cryin’ (Louis Jordan)
4. Grace
5. Calling You (Jevetta Steele)
6. Dream Of You And I
7. The Boy With The Thorn In His Side (The Smiths)
8. Poor Boy Long Way From Home (Bukka White)
9. Night Flight (Led Zeppelin)
10. I Know It’s Over (The Smiths)

 


jueves, 18 de febrero de 2016

EVERYTHING EVERYTHING – Joy Eslava de Madrid [CRÓNICA]



Rojo sobre gris

En el día que se conocía la noticia de que la Joy Eslava podría pasar a convertirse en una tienda de ropa, Everything Everything ofreció un concierto histórico que sacó nota en el global y en los pequeños detalles.

El presentador de Hoy Empieza Todo (Radio 3), Ángel Carmona, proponía al principio del show un abrazo grupal masivo entre los miembros de Everything Everything y el público de la Joy Eslava. Un cálido comienzo cuyo calor se alargaría durante el resto del espectáculo con un Jonathan Higgs que abría con una enorme sonrisa el primer concierto de esta banda en España como cabezas de escenario. Ataviados con una indumentaria gris que recordaba a los trabajadores de la distopía de George Orwell en 1984, este grupo original de Mánchester sonó de principio a fin como unos músicos del futuro que nos visitaban para realizar una exhibición musical visionaria.

Las zapatillas rojas del líder contrastaban con los grises atuendos del mismo modo que bestias bailables como 'Blast Doors' soltaban a todo pulmón inquietudes que el cantante ha querido expresar con el último disco de la banda, Get to Heaven. Las crudas decapitaciones del Estado Islámico o el reclutamiento terrorista de adolescentes europeas sonaron en canciones como 'To the Blade' y 'Regret' desde el alma de Jonathan Higgs pero también sirvió para sacudir los músculos de los allí presentes. Ha cambiado mucho este cuarteto desde aquel concierto en Ibiza del año 2010 en el que su complejo e inmaculado trabajo de estudio se ahogaba a la hora de subirse a un escenario, porque lo de anoche fue una culminación de una banda cuyo crisol de sonidos parece una representación de lo que nos depara el nuevo mañana.

La enorme presencia del bajista, los punteos y percusión matemáticamente enlazados, los armónicos, la densa electrónica, los falsetes del cantante, el dinamismo sobre el escenario y la conexión entre los músicos y el público hicieron que esta fiesta de presentación de uno de los mejores discos del pasado año pareciera corta. No faltaron singles como 'Schoolin'', 'Kemosabe' y 'MY KZ, UR BF', pero antes de que todo el mundo se fuera a casa con la sensación de que posiblemente ese iba a ser su último concierto antes de que la sala se convierta en una tienda de ropa, Everything Everything deleitó a sus mayores fans con 'No Reptiles' y 'Distant Past', siendo la primera un tema que muchos llevaban coreando desde antes incluso de que los ingleses saltasen al escenario. Con este perfecto matrimonio entre público y artista, parece garantizado su retorno a la capital, aunque ya no será la Joy Eslava la que se convierta en una máquina del tiempo hacia esta seductora distopía futurista.

+ FOTOS

Setlist
1. To The Blade
2. Blast Doors
3. Kemosabe
4. Get To Heaven
5. Regret
6. Schoolin'
7. Fortune 500
8. The Wheel (Is Turning Now)
9. Warm Healer
10. Zero Pharaoh
11. Don't Try
12. Cough Cough
13. MY KZ, UR BF
14. Spring / Sun / Winter / Dread
--------------------------
15. No Reptiles
16. Distant Past 





domingo, 27 de diciembre de 2015

Premios MMM 2015

El 2015 ha sido una cantera de joyas en lo sonoro y lo visual. Retornos para alimentar a los nostálgicos y nuevos sonidos para llenar de esperanza a los agnósticos. Un año más, he intentado seleccionar lo mejor que ha pasado por mis papilas gustativas, así que espero que encuentres al menos un caramelo en esta bolsa de premiados.

Mejor disco: + -

Cinco años de gestación no son nada cuando una banda como Mew crea una obra absolutamente inspiradora, reconfortante, plena y profunda. Jonas Bjerre y su séquito ha conseguido con + - generar una obra maestra del pop retomando la majestuosidad del rock progresivo y manteniendo la coherencia en la tierna voz del cantante entre la robustez de las guitarras y la percusión.

Mejor película: Yo, Él y Raquel



El título original, Me and Earl and the Dying Girl tiene mucho más sentido que la traducción que le han dado en territorio ibérico, porque Yo, Él y Raquel es la historia de dos chicos de Instituto que se enfrentan por primera vez a la posibilidad de que una compañera de clase con leucemia acabe bajo tierra. El tejano Alfonso Gomez Rejon se atreve con el cine indie en una historia con una gran cantidad de referencias culturales, humor negro e interpretaciones magnéticas y maduras. Por si fuera poco, el señor Brian Eno se encarga de la banda sonora. Está mal vendida por algunos críticos como la hermana de Bajo la Misma Estrella, pero este cine no es un generador de club de fans y pinturas en la frente.

Mejor canción: Rows



Esta canción dividida en tres fases comienza reconfortando al oyente con Jonas Bjerre acercándose al micrófono para cantar “it's allright, anything you can wish for you can do”. Es la esencia más pura de Mew, con la sensibilidad del cantante abriéndose paso entre el robusto bajo de Johan Wohlert, las metálicas guitarras de Bo Madsen y la batería progresiva de Silas. Una obra maestra absoluta de 10 minutos que no tiene nada que envidiarle a grandes hits de esta banda danesa como Comforting Sounds.

Mejor videoclip: Nearly Forgot My Broken Heart



Buena dirección, gran canción, humor negro, el propio cantante como protagonista y una trama que le permite ganar con cada visionado. Estos cuatro factores son la receta secreta del videoclip que le ha dedicado Chris Cornell al primer single de su último LP para contar la historia de un hombre que se libró de la pena de muerte para vivir una cadena perpetua en un matrimonio que nunca quiso firmar. Una curiosidad: el niño rubio que sujeta un rosario es uno de los hijos del líder de Soundgarden.

Mejor concierto: Damien Rice en el Parco della Musica de Roma



Personalmente, el pasado 25 de julio cumplí un sueño en Roma que empecé a gestar desde que la voz y acústica de Damien Rice acompañase aquel encuentro entre Natalie Portman y Jude Law en la primera escena de Closer. Más solo que nunca y frente a 3.000 espectadores, este irlandés demostró que primero está él y luego el resto de cantantes folk. El corazón y la rabia que imprimió aquella noche a canciones como 9 Crimes parecían prender el escenario ante la devoción de miles de italianos que se volvieron a enamorar una vez más de un caballero que genera adeptos hasta en los huecos entre canciones.

Mejor debut: Trickfinger

Trickfinger es el alter ego electrónico de John Frusciante, ex guitarrista de los Red Hot Chili Peppers y estandarte de las mejores etapas del cuarteto californiano de Give it Away y Californication. Un proyecto que seguramente no vaya más allá de este LP homónimo pero que ha logrado que Frusciante abrace definitivamente la electrónica tras varios discos coqueteando con lo techno. Este disco es un acid house que recuerda al Aphex Twin más ambient y que se disfruta especialmente si se escucha sin prejuicios y teniendo en cuenta que este trabajo no tiene nada que ver con aquel guitarrista de hits como By the Way y Under the Bridge.

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...